わかりやすくてシンプルで魅力的な製本ガイド『ブックブック』は、シカゴを拠点とするアーティスト兼教育者ミョンア・ヒョン著、ニューヨークを拠点とする教師兼アーティストのチャン・ユチェン作・イラストによる、製本入門書です。手製本でこれからzineやアートブック、書籍を作りたい作り手の為のビジュアルでわかる製本ブックです。 初版2017年、現在第5版となる『Book Book』は、持ち運びやすく、製本方法を学ぶための分かりやすいガイドです。図解入りの解説書は、紙の繊維方向や面付けから、紙の折り方や裁断方法まで、本の基本を丁寧に解説します。製本の種類には、無線綴じ、アコーディオン綴じ(蛇腹綴じ)、パンフレット綴じ、長辺綴じ、平綴じ、和綴じなど様々な綴じ方（四つ穴綴じ、貴石綴じ、べっ甲綴じ、麻の葉綴じ）が含まれます。Book Bookには、本に加えて、ブックボード用の穴あけ用クレードルも付属し、プラスチックの巾着袋がついています。 A straightforward, simple and utterly charming guide to bookbinding! Book Book is an instruction book of intro-level bookbinding, written by Myungah Hyon, illustrated and edited by Chang Yuchen. Contents： introduction to tools and paper folding and cutting from rectangular paper pamphlet stitch perfect bound book accordion book throw-outs stab-bindings (Japanese 4-hole, noble binding, tortoise-shell binding, hemp-leaf binding) long-stitch binding flat back case bound book 1st edition 2017, Now in its fifth edition, Book Book is a portable, uncomplicated guide to learning how to bind books. Written by Myungah Hyon and illustrated by Chang Yuchen, the diagrammatic instruction book walks readers through the basics of books, from grain direction and imposition to folding and cutting paper. The types of bindings covered include perfect bound books, accordion books, pamphlet stitch, long stitch binding, flat-back casebound books and several stab bindings (Japanese four-hole, noble binding, tortoise-shell binding, hemp-leaf binding). Alongside the book, Book Book also includes a book-board hole-punching cradle. All the pieces are housed in a plastic drawstring bag. Myungah Hyon is a Chicago-based artist and educator. She is an adjunct professor in the Department of Printmedia at the School of the Art Institute of Chicago. She has extensive experience teaching diverse traditional and innovative bookbinding techniques. She was an artist in residence at Roger Brown, Kala Art Institute, Buinho and Datz Museum. She has received Faculty Enrichment Grants from SAIC and the Peter Williams Award from OxBow. Chang Yuchen is a New York–based teacher and artist. She was an artist in residence at Smack Mellon, Asymmetry Art Foundation, MASS MoCA, the Museum of Art and Design and the Robert Blackburn Printmaking Workshop. She is the recipient of a Poetry Project Curatorial Fellowship and a Luminarts Fellowship, among others. published by DREAMER Fty, China, 28 x 16 cm, a hole-punching cradle is included in each book

本書はカンザスシティの使われなくなった温室の中で見つかった、園芸・農業に関する百科事典から引用された一冊。2011年にその本を見つけた著者は、農業というそれまで彼女にとって未知であった分野を、偶然的なきっかけで知ることとなった。探究へのプロセスを大事にし、この分野にのめり込んだ彼女は、自分と同じよう、多くの人のキッカケとなってほしいという思いから本書を制作した。

本書は、木という存在が私たちの生活にどのような関わり方をしているかという問いのもと、エッセイと写真を織り交ぜ、再度その存在を見つめ直すことをテーマとした一冊となっている。神話や記念碑、待ち合わせの場所や幸運の象徴として、木はさまざまなかたちで私たちの身近に存在している。 著者は、原生林に生える木々と、生まれ育ったニューヨークの街角に立つ木々の両方からインスピレーションを得て、都市の自然と文化のつながりを丁寧に描き出している。 気候変動や資本主義、都市の再生といった大きなテーマと、一本一本の木がどのように関わっているのかを見つめながら、この本は、私たちの日常の中で木が果たしている大きな役割に気づかせてくれる。 Published by Conveyor Studio

リトアニア人アーティスト、アウグスタス・セラピナス（Augustas Serapinas）の作品集。 スイスの Kodoji Pressより出版。 『Space Can』のタイトルは、本書の随所に散りばめられた空間に関する作家のステートメントから取られています。ページをめくる読者は、消えゆく建築、保存と破壊、実用と装飾、そして全体と断片について、瞑想に耽ることになります。虫に食われた梁の残骸が、それが採取された建物全体を包み込むように、本書は展覧会と進行中の芸術活動の両方を凝縮しています。 本書はセラピナスの空間に対する芸術的アプローチに焦点を当てています。ズオズのギャラリー・チュディで開催された最新の個展への深い洞察を提供し、彼の最も重要な展覧会の概要を提供します。 『Space Can…』は、2023年にエンガディン地方ズオズのギャラリー・チュディで開催されたアウグスタス・セラピナスの冬季展覧会の入り口と出口で始まり、終わります。セラピナスの展覧会は、中世のチェサ地区の空間を、異なるヴァキュラーの建物で満たしました。屋根板が石壁を覆い、Aフレームの屋根全体がギャラリーの一つを占め、巨大な交差梁で構成された構造物が、建物の最も高い空間で建物の梁と交差するようにそびえ立っていました。破壊される運命にあったリトアニアの建物から発見された要素は、芸術の文脈において彫刻、あるいは少なくとも建築的ではない何かとなりました。装飾的でありながら機能的なシャッターはレリーフ作品となり、陶器の窯はまるで空っぽの台座のようにぽつんと立っていました。セラピナスが本展で取り上げた建物は、消えつつある田舎風の建物で、ほとんど時代遅れになっています。スイスの建物では、使用されている木材や工芸技法がそれぞれ異なります。ある建物が丁寧に修復され、他の建物が解体されるのは、ほんの偶然に過ぎません。しかし、リトアニアの建物の部材をスイスのギャラリーに移設し、再構成することで、アーティストはそれらの建物に予期せぬ意味を伝えています。 この展覧会のタイトル「木と雪」は、この出版物の資料にも反映されています。この出版物は、白と未漂白の繊維を挟み込んだページに展覧会の記録を収録しています。同じ画像が異なる印刷方法で印刷されることで、読者は作品を二つの視点から捉えることができます。紛れもなく同じ作品でありながら、全く異なる印象を与えます。このように、この出版物は、作品を展示するための中立的な空間という概念と、作品の外観を記録する手段としての写真という概念の両方を揺るがしています。現実は、どちらの画像にも写っているものではなく、その中間にあるのです。 Space Can’s title is taken from the artist’s statements on space that punctuate the book. Paging through, the reader is party to a meditation on disappearing architecture, on preservation or destruction, on utility and decoration, and on whole objects and fragments. And if the remnant of a beam eaten by insects can encapsulate the whole building from which it was taken, this publication condenses both an exhibition and an ongoing artistic practice. Focuses on Serapinas’ artistic approach on space. It offers deeper insights into his latest solo exhibition at the Galerie Tschudi in Zuoz and provides an overview of his most important exhibitions. Space Can… opens and closes entering and leaving Augustas Serapinas’ winter exhibition at Tschudi gallery in the Engadin village of Zuoz in 2023. Serapinas’ exhibition filled the spaces of the medieval Chesa with buildings of a different vernacular. The shingles of a roof covered a stone wall, a whole A-frame roof occupied one gallery, and a structure assembled from massive, crossed beams rose up to meet the building’s own beams in the tallest space. Found elements from Lithuanian buildings that had been destined for destruction became sculpture – or at least something less architectural – in an art context. Decorative but functional shutters became relief works and ceramic ovens stood alone, akin to empty plinths. The buildings that Serapinas worked with in this exhibition are of a disappearing rural type, one which has largely become outmoded. They differ in wood used and the methods of crafts employed in the Swiss building; little more than a chance of fate allows one building to be carefully restored while others are dismantled. Nevertheless, by relocating the Lithuanian building parts and re-framing them in a Swiss gallery, the artist enables them to communicate unexpected significance. That exhibition’s title Wood and Snow is echoed in the publication’s material, which documents the exhibition on interleaved pages of white and unbleached fibre. The reader gains two perspectives on the objects when the same image is printed using distinct processes. It is unmistakably the same piece, yet appears quite different. Thus the publication undermines both the idea of a neutral space in which to exhibit objects, and photography as a means to document what an object looks like. Reality is not what we see in either image, but somewhere in between. -Publisher by Augustas Serapinas

アメリカ人フォトグラファー、メリッサ・カタネーゼ（Melissa Catanese）の作品集。作者の名作であり夢遊病的な魅力を見せる『DIVE DARK DREAM SLOW』（2012年、THE ICE PLANT刊）に対し、本作は不眠症を持つ荒々しい親戚のような存在であり、まるで推理小説のように読める一作である。不確かな未来や、遠い過去と近い過去がもたらした後遺症の狭間で、宙吊りにされたまま不安を抱える人類の文明を垣間見ることができる。作者が撮影した近年の写真と、ヴァナキュラー的な匿名の写真、報道写真、NASAのアーカイブ画像などのファウンドフォトをシームレスに組み合わせ、作者の直感的な編集によって、イメージの中で眠っていた表層が再び蘇る。作家であるシャーリイ・ジャクスン（Shirley Jackson）の短編小説『くじ（The Lottery）』に登場する群集心理や部族主義、そして我々が展開している現代の核心に在る、宇宙的な不確定さを呼び起こしている。一連のシークエンスを通じ、破滅的な力と悲劇的な出来事を、穏やかさ、優しさ、儚さを持つ典型的なシーンをもって一度中断し、我々は見つめることができるのである。群衆は見物するために集まり、目に見えない恐怖を受動的に楽しむ。孤独な人影は爪を立て、泳ぎ、曲がり、呪われ、生き物のように原初の風景の中で孤立し、没入していく。そして、小説家のヴァージニア・ウルフ（Virginia Woolf）による短い文章の断片が、再生へと導く希望の光をほのめかしてくれるのだ。 A wild, insomniac cousin to her somnambulist classic Dive Dark Dream Slow (The Ice Plant, 2012), Melissa Catanese’s The Lottery reads like a work of speculative fiction: a glimpse into an anxious human civilization suspended between uncertain futures and the aftermath of its distant and recent past. Seamlessly combining her own recent photographs with anonymous vernacular photos, press images, and NASA archival imagery, Catanese’s intuitive editing re-animates the images’ dormant surfaces, evoking the mob mentality and tribalism of Shirley Jackson’s short story “The Lottery” as well as the cosmic indeterminacy at the heart of our unfolding present. Throughout the sequence, we see catastrophic forces and events punctuated by archetypal scenes of serenity, tenderness, and fragility. Crowds gather to gawk, passively entertained by unseen horrors. Lone figures claw, swim and bend, haunted and creaturely, isolated and immersed in primordial landscapes. And brief fragments of text from Virginia Woolf hint at a glimmer of hope for regeneration. Design by Giulia Boccarossa. by Melissa Catanese hardcover 80 pages 170 x 240 mm color, black and white 2023 published by THE ICE PLANT

Riso SF5430を使用し、白の台帳用紙に青インクで印刷した手製本。 112ページに渡り、2022年カタールワールドカップで行われたゴールセレブレーションの写真を使用したこの本は、フットボールにおいての愛の形や印を同棲愛にも触れながらシーンを切り取っている。 著者は、前回のワールドカップでは、たくさんの愛があり理、そして、それが消えてしまう前に、ここにその記録を残すと記載されている。スペイン語でサッカーにおいての同性愛にまつわることや愛の喜びに関しても記載されている。 中米のニカラグアに拠点を持つDIY publisher 「AZETAguía」 から出版。 Let's talk about homosexuality in football. It's a theme rarely spoken of in words, but widely accepted visually. We see it in almost every match. Explosions of desire and joy, eroticism disguised as affection, protection and care. Friendship and passion: On the pitch, there's an emotional need that we've naturally accepted. And off the pitch, it often takes on a different narrative, one that's more closed off and less inclusive: everything on the pitch, nothing off it.

カリフォルニア州オークランドを拠点にするFloss Editionより、アーティスト メグ・フランシーがリノカットで制作したオリジナルの木版画を、リソグラフ印刷によって再現しています。脚や人物の横顔といった人物像、そして抽象的な形、文字、そして様々な形状を用いて、フランシーはページ上を移動するパターンを創り出し、肖像画、風景画、そして3本のキャンドルと鎖の輪といった異質な物体を繋ぎ合わせたモザイク画を生み出しています。 『SOFT BALANCE』は、作家の視覚言語と、本の制作過程における様々な物理的プロセスを結びつける実験です。 In this edition of Soft Balance risograph printing is used to reproduce the original block-printed images Meg Fransee created using linocuts. Using figural shapes such as legs and human profiles, as well as abstracted forms, text, and shapes, Fransee creates patterns that move across the page and create portraits, landscapes, and a mosaic of images that bring together objects as disparate as a trio of candles and a ring of chain. Soft Balance is an experiment in connecting the artist’s visual language to different physical processes of book making. Publisher:Floss Editions Oakland, CA Year 2023 2nd Editions Pages[20] p. Dimensions 25 x 20 cm. Cover Paperback Binding Staple Bound Process Risograph

本書はレコード盤と針の動きとの関係性についての研究が、目を引くグラフィックと共にまとめられた一冊。赤、黒2色リソグラフプリント。 蓄音機レコードの形状/白黒と針の曲線 edited by Jack Henrie Fisher legal half 24 pages black and scarlet risograph edition of 200 2024 Published by other forms

グラフィックアーティスト・Cody Hudson による、目を閉じた時に浮かんでくる、幻想的な光景を題材にした絵画シリーズzine。3色リソグラフプリント、28ページ。イラストレーターのClay Hicksonが運営するCaboose Booksより2021年に出版された。 A series of drawings based on the visions one see's when when one's eyes are closed. 28 Pages 3 Color Riso First Edition 2021

本書は料理本ではなく、オリヤ・オレイニッチが長崎県小値賀島での滞在期間中に集めたレシピ集です。時に翻訳の過程で多少のミスがありますが、彼女の新しい環境との繋がりを模索する試みが表現されています。 本書は、小値賀町、長崎県、そして東京駐在のオランダ大使館の支援を受けている「小値賀アーティスト・イン・アイランド・プログラム」のカタログシリーズの一つです。 Author: Olya Oleinic Paper: Munken Premium 90gsm Type: Book Print: B/W + Flat Gold Riso Page Count: 176 Format: W10,8cm H16cm Edition: /100 This is not a cook book, but a collection of recipes that Olya Oleinic gathered during her residency on Ojika Island (Nagasaki, Japan). Sometimes a bit lost in translation, it represents her attempts to connect to her new environment. This book is part of a catalog series for the Ojika Artist in Island Program, which is supported by Ojika Town and Nagasaki Prefecture, as well as The Netherlands Embassy in Tokyo.

-SONG OF STONE AND EARTH-『石と土の歌』は、文化遺産、建築のレジリエンス（回復力）、そして近代性の間にある、揺るぎない繋がりを探求する作品です。モロッコのアトラス山脈の風景を背景に、アマジグ族の象徴的な土造り建築に焦点を当てています。それらは、何世代にもわたる知識、適応、そして土地との親密な関係を体現する建造物です。 -SONG OF STONE AND EARTH-『石と土の歌』の物語には、アマジグ族の口承による響き渡る一節が織り込まれ、遺産と近代性が本質的に相反するものであるという考えに疑問を投げかけています。この作品は、両者の共存を強調し、文化的伝統が現代との対話の中でどのように繁栄していくかを示し、アイデンティティ、持続可能性、そして「家」の本質について深い洞察を提供します。 Songs of Stone and Earth is an exploration of the enduring connections between cultural heritage, architectural resilience, and modernity. Grounded in the landscapes of Morocco’s Atlas Mountains, the work focuses on the iconic earthen architecture of the Amazigh people—structures that embody generations of knowledge, adaptation, and an intimate relationship with the land. A single, resonant, verse from Amazigh oral tradition weaves through the narrative of Songs of Stone and Earth, challenging the notion that heritage and modernity are inherently oppositional. It highlights their coexistence, showing how cultural traditions can thrive in dialogue with the present and offering profound insights into identity, sustainability, and the essence of home.

20世紀を代表する、ドイツ出身のテキスタイルアーティスト・版画家のアニアルバースによる作品集。本書は、唯一公開されている作者のノートを再現したものであり、伝説的なアーティストであり現代の巨匠と認知される彼女の制作におけるプロセスの探究が感じられる。 彼女はこの方眼ノートを、1970年から1980年までの間、定期的に描き記しノートを埋めてきた。この貴重な資料はこれまでに表に出てこなかった記録であり、膨大なグラフィック作品の制作に向けた緻密なドローイングや、後期に取り組んでいた結び目（Knot）の研究に基づくドローイングの足跡も見られる。製図者としての丁寧な熟考や進歩がそのままの形で描かれ、辿られている。 視覚的にドラマチックであり神秘的なほどに美しいこの幾何学的な描写のシリーズを、一片一片、一線一線ごとに追いながら、作者がいかにして複雑な模様を創り出したか、その過程を明らかにしてくれる。

本書は写真作家Noémie Goudalによる作品集。彼女は、山の形成過程の地質学にインスピレーションを得ており、この「DÉMANTÈLEMENTS」シリーズは、この問いを独自の視点から探求している。私たちは風景を完全に固定したものとして捉えがちであるが、実際には日々絶えず変化し続けているはず。時が止まったように見える巨大な岩石でさえ、様々な地質学的プロセスによって変化してきた。そこでまず彼女は、山を撮影し、それを水溶性紙（水に触れると溶ける）に印刷。それを透明な防水シートに貼り付け、山の縁に沿ってカットし、幅約2メートルのプリントを作成。そしてこのプリントを別の山、もしくは違う風景の前に配置し、新しい架空の山を遠近法によって生み出す。その作られた山を、水を用いて徐々に溶かしていき、そのプロセスを撮影。彼女はこのプロジェクトを通して、独自の手法により地質風景の変化を示している。 Published by RVB BOOKS

本書は、蜂と人間の関係性を理論的、図像学的、そして民族誌的な手法を用いて研究するプロジェクト「Apian（アピアン）」から生まれた一冊。 1852年に近代的な蜂の巣箱が誕生して以来、巣箱製作におけるイノベーションは停滞したとされている。昨今は形式化された単純な、ボックス型巣箱の製造を優先することで、4400年にわたる「巣箱の形の多様性」に背を向けている。本書は、巣箱が形式化される以前の時代に焦点を当て、紀元前2400年まで遡る歴史を描いている。世界各地、多種多様な形をした巣箱たちが、グラフィックデザイン、写真、そして文章を用いて語られ、蜂の巣の歴史を読者に問い直している。 Published by RVB BOOKS

本書はオランダを拠点とするリソグラフスタジオ、出版レーベルKnsut Extrapoolからリリースされました。2014年に初版がリリースされたこの一冊はスイス人アーティスト、フィン・オールンドによって描かれた水彩画やドローイングを、新たな色彩と古紙を用いて、2024年に特別版として待望の復刻を果たしました。幻想世界に咲く花が、美しく彩られており、優しさで包み込まれる感覚になります。 - 32 ページ - リソグラフプリント - いくつかのページはハンドカットにより、波打つような縁になっています。

オランダの印刷レーベル・リソグラフスタジオのExtra Poolで制作された本書は、アーティストのJolanda Wijdevenが作った、紙の切り絵によって構成されており、バラバラなページサイズにカラフルな印刷が施されています。 さまざまな種類の動物や人物がモチーフとなり、時には遊び心のある、時には神秘的な雰囲気で現れてきます。またこの本は、刺繍、手押し、エンボス加工のディテールが施された、完全DIYなスイス装となっております。 - 48ページ - リソグラフプリント

フランス人アーティスト、アンリ・マティス（Henri Matisse）の作品を用いて、1〜3歳向けに作られた絵本形式のボードブック。アンリ・マティスの切り絵作品（CUT-OUT）が描く抽象的な表現で色を学ぶ、創造力に満ちた読み聞かせ形式の一冊。 「青とほかの色たち」と名付けられた本書は、1ページにつき1つずつ作品を掲載し、青から始まり、また青に戻ってくるというおなじみの繰り返し構成で、アンリ・マティスのパレットを通して子どもたちに色を学んでもらう。各ページで描かれた作品の形、奥行き、大きさが異なることで、ページをめくるごとに読者の興味を惹きつける。テキストは会話が生まれてくるような親しみあふれる解説で構成されており、読むという体験を豊かにする。 アンリ・マティスの革新的な色彩の使い方は、多くの世代にわたってアーティスト達にインスピレーションを与えてきた。氏が「ハサミを使った絵画」と表現した手法である「CUT-OUT」は、絵の具を塗った紙を切り抜いて作ったコラージュ作品であり、20世紀で最も讃えられた作品のひとつとなった。 これまでになかった形式の絵本である本書を通して、読者は色を学ぶだけでなく、美術にも親しむ経験も育まれていくだろう。 この読み聞かせボードブックシリーズは、世に広く知られ評価されてきた芸術家たちによる名作を用い、幼い子ども達に向け優れた学習の場をもたらすよう作られている。各ボードブックはそれぞれコンセプトを持ち、厳選された美しい芸術作品を通して遊びながら学ぶことを目指している。ウィットに富んだ会話形式を使った解説、テーマとなっている芸術家について語られるテキスト「about the artist」が添えられ、より豊かな体験へと導くだろう。 このシリーズは本書のほかに、パブロ・ピカソ（Pablo Picasso）、エルズワース・ケリー（Ellsworth Kelly）、アレクサンダー・コールダー（Alexander Calder）、ヨゼフ・アルバース（Josef Albers）の作品を用いたバージョンも刊行されている。 Henri Matisse’s abstract cut-outs are used to teach colours in this innovative read-aloud board book. Blue & Other Colours takes children through Henri Matisse’s colour palette, one artwork per page, beginning with blue and returning to it as a familiar refrain throughout. The variance of shapes, depth, and scale of the shapes on each page will keep readers engaged, while the text enriches the reading experience with relatable commentary that encourages conversation. Henri Matisse's innovative use of colour has inspired generations of artists. His cutouts – collages made from shapes cut from painted paper in a process he described as ‘painting with scissors’ – have become some of the most admired works of the last century. Through this groundbreaking book, readers will not only learn their colours, but also grow familiar with fine art. Each title in this must-own series of artful read-aloud board uses masterpieces by celebrated artists to teach one of the top early-learning concepts for toddlers. Each concept is explored playfully through a curated selection of beautifully reproduced artworks while the accompanying text enriches the experience with witty, conversational commentary and an ‘about the artist’ text. Companion books in this series feature the art of Pablo Picasso, Ellsworth Kelly, Alexander Calder, and Josef Albers. Age range: 1-3 years by Henri Matisse ISBN: 9781838669577 board book 30 pages 204 x 178 mm color 2025 published by PHAIDON

ドイツ人アーティスト、ヨゼフ・アルバース（Josef Albers）の作品を用いて、1〜3歳向けに作られた絵本形式のボードブック。 本書は1ページにつき1つずつヨゼフ・アルバースの色鮮やかな幾何学図形の作品を紹介する。正方形から始まり、また正方形に戻ってくるというおなじみの繰り返し構成で、幼い子どもたちがさまざまな幾何学図形に親しみをもって触れられる作りになっている。 生き生きとした形のバリエーションが本の視覚的な豊かさを高め、添えられたテキストは親しみやすく心を魅きつける解説で満ち、読み進めるうちにディスカッションが思わず始まってしまうだろう。 ヨゼフ・アルバースは20世紀におけるモダニズムの最も偉大な先駆者であり、画期的とも形容できる絵画シリーズ「正方形讃歌（Homage to the Square）」、美術教育における傑作著書『配色の設計（The Interaction of Color）』が代表作としてよく知られている。画家であるだけでなく、教師、作家、理論家でもあり、本書では子どもたちが学ぶべき最も重要な概念のひとつである「形」を伝えるべく、大きな影響力を持ってきたヨゼフ・アルバースの芸術作品が用いられている。 この読み聞かせボードブックシリーズは、世に広く知られ評価されてきた芸術家たちによる名作を用い、幼い子供達に向け優れた学習の場をもたらすよう作られている。各ボードブックはそれぞれコンセプトを持ち、厳選された美しい芸術作品を通して遊びながら学ぶことを目指している。ウィットに富んだ会話形式を使った解説、テーマとなっている芸術家について語られるテキスト「about the artist」が添えられ、より豊かな体験へと導くだろう。 このシリーズは本書のほかに、パブロ・ピカソ（Pablo Picasso）、アンリ・マティス（Henri Matisse）、エルズワース・ケリー（Ellsworth Kelly）、アレクサンダー・コールダー（Alexander Calder）の作品を用いたバージョンも刊行されている。 Squares & Other Shapes uses the vivid artworks of Josef Albers to guide children through a wide range of geometrics, one artwork per page, beginning with squares and returning to them as a familiar refrain throughout. The variations between the vibrant shapes add to the book’s visual richness, and the accompanying text provides a relatable and engaging commentary that will encourage discussion. Josef Albers was a leading pioneer of 20th-century Modernism, best known for his Homages to the Square paintings, and his publication Interaction of Color. Albers was a teacher, a writer, a painter, a theorist, and, in this groundbreaking book, his influential art is used to teach shapes, one of the most important concepts for young children to learn. Each title in this must-own series of artful read-aloud board uses masterpieces by celebrated artists to teach one of the top early-learning concepts for toddlers. Each concept is explored playfully through a curated selection of beautifully reproduced artworks while the accompanying text enriches the experience with witty, conversational commentary and an ‘about the artist’ text. Companion books in this series feature the art of Pablo Picasso, Henri Matisse, Ellsworth Kelly, and Alexander Calder. by Josef Albers board book 30 pages 178 x 204 mm color 2025 published by PHAIDON

アメリカを拠点に活動する環境学専門家であるデヴィッド・シルヴァー（David Silver）の作品集。「ブラック・マウンテン・カレッジ（Black Mountain College）」の農場の発展と衰退を記録した一冊であり、2024年9月から2025年3月までノースカロライナ州の「ブラック・マウンテン・カレッジ美術館＋アート・センター（Black Mountain College Museum + Arts Center）」で開催された展覧会に伴い刊行された。 「ブラック・マウンテン・カレッジ」は、20世紀における創造的な異端児の卵が溢れる「源泉」であった。1933年の創立以来、23年の輝かしい歴史の中で、ノースカロライナの片田舎にあるこの小さなリベラル・アーツ・スクールは、アニ・アルバース（Anni Albers）、ヨゼフ・アルバース（Josef Albers）、ルース・アサワ（Ruth Asawa）、ジョン・ケージ（John Cage）、マース・カニングハム（Merce Cunningham）、ウィレム・デ・クーニング（Willem de Kooning）、バックミンスター・フラー（Buckminster Fuller）、レイ・ジョンソン（Ray Johnson）、チャールズ・オルソン（Charles Olson）、M. C. リチャーズ（M. C. Richards）など、著名なアーティストやのちに有名になった作家、先見の明ある人々を惹きつけ、その活躍はこれまで何度も語り継がれてきた。 本作は、「ブラック・マウンテン・カレッジ」を全く異なる視点で探る。農場は、この場所にとって不可欠であった。大恐慌と第二次世界大戦の間に極めて重要な糧を提供し、自給自足、集団生活、共同作業の実験場として機能した。しかしそれこそが、最も貴重かつ不安定な要素であった。1930年代に学内農場を設立し、1940年代にはより良い農場を作り、そして1950年代にそのすべてが崩壊するのを見届けるまで、反逆的な学生、教授陣、農民たちの姿を、綿密な独自の調査を元に追う。これまでほとんど描かれることのなかった「ブラック・マウンテン・カレッジ」の新たなキャストたちに出会い、掘り下げ、彼らの農業における冒険を通じ、楽観的なコミュニティ形成から本質が朽ちて様々な不足に陥るまで、数十年にわたりそこで一体何が起きたのかを明らかにする。 本書を読むことで我々は、この場所の神話と驚くべき現実の中で「ブラック・マウンテン・カレッジ」の形成に貢献した、この土地において努力を重ねた素晴らしい人々に出会うだろう。 A record of the rise and fall of the BMC farm that foregrounds the voices of a new cast of characters. Black Mountain College (BMC) was a wellspring of 20th-century creative unorthodoxy. From its founding in 1933 and over its celebrated 23-year history, the small liberal arts school in rural North Carolina attracted a remarkable number of famous and soon-to-be famous artists, writers and visionaries including Anni and Josef Albers, Ruth Asawa, John Cage, Merce Cunningham, Willem de Kooning, Buckminster Fuller, Ray Johnson, Charles Olson and M.C. Richards. The exploits of these BMC cultural luminaries have been recounted time and time again. David Silver’s fascinating new book offers a very different perspective. The farm was vital to BMC. Throughout the Depression and World War II it provided vital sustenance, while serving as a testing ground for self-sufficiency, communal living and collaboration—the most precious and precarious ingredient at the college. Through deep original research, The Farm at Black Mountain College follows renegade students, faculty and farmers as they establish a campus farm in the 1930s, build a better farm in the 1940s and watch it all collapse in the 1950s. We meet a new cast of BMC characters whose stories have seldom, if ever, been explored, and whose adventures in agriculture illuminate what exactly happened at BMC across the decades, from optimistic community building to its plunge into substance-addled scarcity. In these engrossing pages, we encounter the extraordinary folk whose endeavors on the land helped shape the Black Mountain College of myth and extraordinary reality. by David Silver softcover 240 pages 178 x 235 mm color, black and white 2024 published by ATELIER ÉDITIONS published by BLACK MOUNTAIN COLLEGE MUSEUM + ARTS CENTER